互动装置景观雕塑作用原理

48人浏览 2024-05-22 21:43:29

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  • 遗失的美好
    遗失的美好
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    最具浪漫气质的作品

    作品名:十六只鸟

    艺术家:基口·迈克马赫特里/ 无定型机器人作坊 (美国)

    材料: 机器人装置

    作为第一个“无定型机器人作坊”膨胀技术的多重雕塑装置,“鸟儿们”通过对动作、图像、比例和声音的研究体现出对生命循环的沉思。十六个巨大的白色编织物好像是简单线条勾勒出来的鸟,又像是一只蝙蝠柔软而无生气的萎缩残骸,或者是经过时间侵蚀的棱纹建筑物遗迹。当参观者走近,这些枯萎无生气的东西就会逐渐充气膨胀,加长变大为锥形,舒展成优美丰满的羽翼。

    它们的固定旅程是:由伺服机控制的空气囊鼓动产生缓慢而优雅的拍打动作。一系列的多次拍打动作形成一种持续而有节奏的微风声。在短暂的飞行后,这些鸟儿走到了它们生命的尽头,从其顶端开始放气,萎缩成原来的状态。

    《十六只鸟》的艺术家来自美国。他拥有一头乱发并需要安静的环境来思考作品。

    如果读者中有曾经在美术馆看过这个作品的话,会搞不清楚为什么作品名称是《十六只鸟》,但是现场只有十五只鸟,另外那只鸟在展厅的任何角落都找不到踪影。关于这个作品最有趣的一个幕后话题是,其中一只鸟在运往中国的路途中神秘消失。

    最具未来感的作品

    作品名: 行走的头

    艺术家:Stelarc (澳大利亚)

    材料:机器人系统

    这是一个直径为2米的自控交互式行走机器人。它有六条腿,垂直安装在其底盘上的液晶显示屏由计算机成像显示出人头像,象征“头脑”。头脑可以向各个方向转动,以配合所显示的头像动画。机器人带有超声波扫描传感器,可以感知是否有人从它前面经过。无人经过时,它会坐在原地不动。一旦有人进入展示空间,它就会站起来,从预排程序库中调出一些动作指令进行几分钟舞蹈表演,然后停下来直到再有人经过。机器人活动的舞台直径约为4-5米,其传感系统会探测它是否已接近舞台边缘,使它及时退回转向。这是一个真实-虚拟并存的系统,其机械腿的动作是真实动作,而其显示屏中面部表情的点头、转动、倾斜、眨眼等则是虚拟动作。通过压缩空气的旋律和机械声音,行走的头也可以发声。该机器人还可以通过基于网络的三维模型来驱动,由运动图像菜单来控制其具体动作。整个机器人是以压缩气作用作为运转动力的。

    《行走的头》的创作者,艺术家Stelarc,也是媒体报道的《六腿机器人让您开眼界 》的创作者,向我们展示他的另一件作品《手臂上的耳朵》,这个耳朵内部装有蓝牙耳机,可以“听到”我们的对话。

    最具神话色彩的作品

    作品名: 铁床贼之路

    艺术家:让.迈克尔.布鲁约尔 (法国)

    材料: 电子机械床装置

    (达玛斯忒斯(Damastes)是希腊神话中的著名强盗,外号铁床贼;)

    “铁床贼之路”是一件雕塑作品,由21架白色的医用床及悬挂在其上面的21根荧光日光灯管组成。这些床在计算机的设定和同步操作下处于一种永远舞动的状态。它们在表演一场芭蕾舞剧。

    每张床都配有一个剪式千斤顶,使床的垂直运动幅度能从距地面38厘米到81厘米。床的上面还装有控制位置的机动装置,可以使床垫某一部分的旋转角度达到0-70度。其垂直运动和旋转运动既可以同时进行也可以分别完成。

    这21张床由一个个人计算机的数码音响系统连接在一起。计算机可发布并同步其运动程序指令。床可以独舞也可以群舞,从而上演着场面宏大的芭蕾舞。床下面的格架在舞动中发出变化多端的吱吱声,恰好组成了这场芭蕾舞的配乐。

    “铁床贼之路”所安置的房间将全部铺满厚厚一层枯萎的叶片,并通过定时喷雾来保持其湿润和芳香。除了其审美意义和隐喻性之外,这些叶片也能遮盖住每张床下的电路控制系统。

    根据装置展出的空间条件,床可以摆成一行、一圈或是其他队列形式,但总是严谨而有规则地连接在一起(床间距根据其条件限制可以在90-115厘米的范围内)。

    床上配有床垫、枕头、床单、枕套以及白色的毯子。

    荧光灯管悬挂在每张床中心上方2.10米处。它们和床一样按照非常精确地方式排列。

    最富情感的作品

    作品名:因缘

    艺术家:昆特·亨特斯莱格尔 (奥地利/美国)

    材料: 沉浸式虚拟现实装置

    这是一个“有生命”的环境,一个渐变的视听装置。作品呈非线性展开,冥想的宁静紧随着混乱与骚动。看似不适且颤抖晃动着的三维人形悬浮在空间内,彰显出这个装置的活力,其运动制造出一种嗡嗡作响的声音效果。这些三维人形像木偶一样悬挂在绳子上,在注入亲切而又暧昧的人类生活意识之后,它们就像傀儡一样在绳子上乱舞。

    “因缘”(Karma)一词恰好也是多人电脑游戏“虚拟竞技场”中一个物理仿真体的名字。“虚拟竞技场”或是“三维实时装置”中的“因缘”都描述了对重力或动能力等物理法则的模仿。

    在“因缘”/细胞中,三维人形的运动和动作由一个附加的声音软件合成,它们在空中合成一条动态声轨。在多个人形构成的交响乐队中,每个人形都是其中的一个乐器,他们各自的“运动和情感”变化,形成了多层音效空间。无论是三维人形动态的实时组合还是其音效建构,在艺术家为它们设定的脚本内,都能够展开变化万千的情感表达。

    最拓展视听的作品

    作品名:声音绘画

    艺术家:金基哲 (韩国)

    材料: 互动装置

    声音是作品中的要素。由于声音无法被观察到,它作用于大脑不同于视觉感受的部分,通过作品,艺术家在寻找一种方式“看”声音。想法源自佛教的《莲花经》 。

    原意是说:当我们正在遭受苦难,我们讲avalokitevara菩萨的名字,他便可以听到,并帮助我们达到涅槃。艺术家从2001年开始试图所做的作品皆具有“观音”的含义。这种风格的作品创作告诉我们菩萨的名字。 avalokitevara菩萨的名字翻译成韩文是kwan eum ,意思是“观音”。

    声音绘画

    通过思考为何我们不能描画声音、怎样才能描画声音,艺术家的答案原来是如此的近在眼前:铅笔和电阻器是同样的工具,那意味着只需赋予铅笔以电阻器的功能。声音是纯正的正弦波,声音并不酷,但可以感受到这种原始的真实感……

    最全球化的作品

    作品名:地书

    艺术家:徐冰 (中国)

    材料: 互动装置

    《地书》是一本可读的小说,是用徐冰几年来搜集整理出的一套“标识语言”写成的。读者不管是何种文化背景,只要被卷入当代生活,就可以读懂它。通过这本书的“字库”软件,使用者将英文句子打入键盘,电脑即刻转译成这种标识语言,既起到《字典》的作用,将来也会有实用价值。

    观众可以在电脑屏幕上看到转换为标识的对话

    在艺术家看来,艺术重要的不是它象不象艺术,而是能否提示一种新的看事情的角度。从二十年前的一部叫《天书》的作品创作开始,称它为“天书”,因为世上没人能读懂;用这套“标识语言”,艺术家又写了一本让说任何语言的人都能够读懂的书——《地书》。这两本书有共同之处:不管你讲什么语言,也不管你是否受过教育,它们平等地对待世界上的每一个人。

    《地书》的作者,艺术家徐冰和助手在电脑前观看标识语言的对话

    最铭记于心的作品

    作品名:不朽的使命—石棺

    艺术家:etoy 小组 (瑞士及其他多国)

    材料: 集装箱,发光二极管装置

    这是网络艺术先驱etoy小组的最新作品,并宣称是信息技术数字时代的后生命崇拜。自2004年以来该项目就在不断推进,涉及有关存在的主题,诸如守恒与失忆,未来、现在和过去,以及生命和死亡。作品大胆地将这些主题植入数字交流和信息技术的时代无疑是具有挑战性的。

    不朽的使命—石棺

    通过运用数字媒体技术,使所选择的“飞行员”在肉体死亡后仍能够在时空旅行中得到永生。在“奥秘胶囊”中存有飞行员的综合信息数字化肖像,从而使他们虽死犹生。肖像由多种元素组成:附加了诸如姓名、出生日期、家庭和法律关系等标准信息,还有遗嘱、合同等法律文件。更进一步的信息深入洞察到“飞行员”的生活:他(她)的传记、消费模式、社会关系网图示。作品的可视部分包括多种数字照片:“飞行员”本人各时期的生活照、亲友照片、以及360º扫描的全息肖像,还有录影胶片及会面场景。这些信息中也有音频部分,诸如本人的声音采样、亲友的声音、最喜欢的音乐等等。而根据发送时间表进行讯息储存等内容也包括在这个计划之内。如果“飞行员”本人希望的话,甚至还可以储存他们的骨灰。

    作品既出人意料又富吸引力,它糅合了些许无政府主义的音调,且忽略了目录或论文等固有程式——但这具情感飞行器仍然会带给人深深的触动。

    《不朽的使命—石棺》刚刚运至美术馆前广场

    最令人驻足的作品

    作品名:接触我

    艺术家:blendid 创作团队 (荷兰)

    材料: 互动装置

    参与者可以通过这个互动装置,创造出个人图像,并且将其展示在不同的公共场所中。装置的尺寸可以变化,从而记录并且展示完整的人体尺度。在互动中,参与者将身体的某个部位或者其他物体与磨砂玻璃表面接触,互动的结果是玻璃板会留下某些烙印,继而创造出图象。图像会作为玻璃板的一部分被保留下来,在没有其他互动的情况下展出一段时间,供大家参观。

    《触摸我》的艺术家投入的在自己的作品前留下影像

    参与者从互动过程中体验到乐趣,而他们所创造的额外印记还会被永久保留下来,作为作品的一个部分。

    最亲密的作品

    作品名:亲密的交流

    艺术家:Transmute (澳大利亚)

    材料: 互动/远程通信/机器人装置

    这是一个令人兴奋的新式交互装置,可以使身处异地的两个人同时以身体动作互相交流。每个参与者需要使用一种叫做“身体板”的物理界面。通过在这个“巧妙的家具”上轻轻移动他们的身体,他们之间就产生了“亲密交流”。由数字肖像、多波段声音和触觉反馈所创造的“世界”就这样在“亲密交流”的影响下展开。

    《亲密的交流》的艺术家们在布展现场有序的分工合作

    尽管参与者身处异地,不能直接看到或听到对方,但这种共享体验可以使他们逐渐形成相互间感官的亲密关系。在作品生态系统中,参与者被聚焦于理解相互作用和相互关系的焦点上。

    最亲近大师的作品

    作品名:电脑空间的最终审判

    艺术家:缪晓春 (中国)

    材料: DVD投影,全境灯箱装置

    绘制于1536年到1541年的罗马西斯庭大教堂壁画,是西方艺术史上最重要的作品之一。蓝色背景上分布着一系列如群星闪烁般的人物形象,在当时是十分少见:飞动的天使和十二门徒环绕着极具古典美的耶稣。画的前景上并没有突出宗教气息;相反,米开朗琪罗着力描绘了每个人物的动态,彰显出其艺术大师的风范。

    新媒体艺术作品《电脑空间的最终审判》正在布展

    缪晓春为作品注入了迷人的魔力,根据自己的身体创作了电脑雕像,并以其置换米开朗琪罗画作中的所有人物。他严格遵循原作中的视觉结构,在虚拟空间中安排这些替身。通过娴熟地运用数字技术使米开朗琪罗的画作透明化,并在其中打开了五个不同的透视点。这一技术使艺术家能像游客一样在作品中漫步。通过探索“绘画中的人物看到了什么”、“壁画中的角色看到了什么”,从而为观众提供得以窥探此中奥秘的视角。

    最有趣的作品

    作品名:生动的厨房

    艺术家:Stefan Doepner, Jan Cummerow (德国)

    材料: MIDI驱动系统

    世界在很大程度上是由机器构成。我们使用这些“黑盒子”比用最简单的工具,如铅笔或锤子更顺手。技术开发的复杂性,机械和电子的日常设备并没有进入我们的观感。在系统的背后,创造过程和条件,是没有透明度的。这个论题贯穿于发展和发明应为我们服务,让我们使用的设备简单、有效。

    “生动的厨房-快乐的21世纪末”提供观众探讨他/她自己的日常生活中自动化和生活义务的机会:在瞬间内平凡的环境会产生审美的情感。作品通过将一个标准化的厨房配备无所不有的设备和工具,所有设备运作到一定程度,厨房家具及家居物品便具有了自己的生命;使他们自己诗意的发出声响,而且不断强化好像要脱离其环境。但是它们的功能并非是通过使用来产生,它们有自身的活力。有如一个乐队,厨房设备、工具和箱子、椅子、桌子有节奏的跳跃。然后它们的动作逐渐放慢,灯光变暗。

    最晕眩的作品

    作品名:你在哪里?360度全景

    艺术家: 卢克·库彻斯恩 (加拿大)

    材料:实时三维控制系统装置

    置身于作品中,观众如同在梦中飞翔,穿过一个多维的世界,在过去与未来之间穿梭,在明亮与黑暗之间游走,在私人与公众之间转换。沉浸通过一个操纵杆在X,Y和Z三个轴中调换,进入一个以等级衡量的信息/体验空间。

    处在等级0的时候,世界是一个简单的空间,犹如航海时用XYZ三个坐标定位。处在等级+1的时候,世界变成了一个混合体,充满了图片、声音、文章以及作品创作者的物品。当到达+2的时候,就进入了一个“分子”化的世界,各种物体都变成了微粒,自然构成的光影组合而成了世界,让人回想起19世纪印象主义对世界的看法,同时也孕育了抽象主义的雏形。当继续上升至等级+3时,展现在观众眼前的是庄严的山川幽谷的风景,充满了18世纪独特的绘画思维格调。

    处在任何等级中,观众都将遭遇到其他的居住者:有远程设备连接的活生生的事物(如果启动的话),有提前录制好的展示在视频窗口的事物,参观者还会遇到他们自己——隐藏的摄像机会将参观者的图片融入这个构造出来的世界中。 在这个作品中,主体(演员、观众、参与者)控制了自身的状态:他/她的位置、他/她的行走路径以及速度,或许会更为有趣的是,可以决定他/她将在哪个等级中“生存”。

    最好玩的作品

    作品名:飞艇攻击

    艺术家:知识机器人研究小组 (瑞士)

    材料: 互动装置

    “赤身人/在此,亦不在此/白色至上”表述的是在一个假想的关押地点,嫌疑人的公民权利或其战俘的法律地位被悬滞。在互动装置中,克里斯蒂安·胡伯勒,亚历山大·塔查塞克和伊冯·威廉共同创造了一个无可名状的流动权力的随意空间。进入房间内,参与者被一群黑色气球环绕。银色飞艇徘徊在头上,非常脆弱并轻如鸿毛。飞艇装有一个具有方向感的照相机,不断向四处扫描。相机的程序设定为跟综距离最远的一个气球,但同时也对人身作出反应。回避飞艇的袭击是很容易的,但是我们尊重它脆弱的科技,不愿予以还击。这个不知疲倦的,被叫作 白色至上 的匿名攻击者,使人感到畏惧,有时亦颇为滑稽。

    在这种让人感到压抑的环境中,一个匿名男声不断重复着一句话“赤身人/在此,亦不在此/白色至上”。它带有指挥的语气,第二个声音回答赤裸裸的强盗。通过这种方式,装置暗示囚犯被剥夺了一切权利时的地位,他们在这里 是非常真实的。但他们法律上的存在是被否认的不在场 。

    房间还有电脑显示器敦促观众的介入。按下按钮逃脱指示是模糊的。艺术家利用软件代码作为创作媒介,设计并模拟数字行为,而不是人物或形象。程序不仅可以重新启动,还可以改变自身,使“白色至上”失去控制功能。如果有足够的观众采取主动,程序会引发打断男子独白第三个声音:“赤身人/在此,就在眼前”!结束赤身人的语言徘徊,白色主权的马达停止。

    最数字时代的作品

    作品名:信息漩涡

    艺术家:克里斯托夫·希尔德布朗德 (德国)

    材料: LED 网络装置

    以2000年在凯马博物馆参展的“矩阵”,2004年欧洲多媒体美术展的“词汇”,和2006年在格罗宁根·屈米博物馆的“意味”为基础。 作品由210 个带有各种图标的LED嵌板组成以展示全球社会、经济和科学的表征,形成一个21米长3米高的大屏幕。

    “信息漩涡”运用LED,使每个嵌板看似一个能展示不同文字的流动电子招牌的一个像素,文字和图标的混合创造出不停的对话并形成的叙事的一个场景。

    最喧闹的作品

    作品名:zgodlocator/version zII

    艺术家:赫维戈·怀瑟 (奥地利)

    材料: 电磁影像雕蒴

    装置是根据计算机硬盘上的磁原理来组合带有磁性的金属微粒。这些微小的金属颗粒实际上是磨碎的电脑零件:电路板、硬盘驱动器、处理器、监察器屏幕,等等。这个磨碎的硬件沙尘被铺放在可以突然引发转变金属微粒的电磁格段上。他们产生磁刺激反应形成的奇异和突发性雕塑似的变形。这些颗粒看起来就像是黑色金属材料,如此美丽。观众还可以通过旋转表盘来改变产生的图案。颗粒状的计算机网格,一次又一次形成新的惊奇和不断变化的形状。不像电脑硬盘,zgodlocator/版zii并不关心长期存放文本或图像。它的主题是动态模式。如果有记忆,也是很短和随时变化的。在zgodlocator中,磁性成为一个存放处,并是操纵和处理信息原始形式的地方。作品的意图可能是强调发生在一个电脑环境中不断再生的信息。它同时用微妙的方式结合视觉和音响效果。各种各样的麦克风和电磁感应器设在电子土壤中捕捉硬件的声音。作品中的程序编码把原始的音频转换成图形,化为颗粒景观。

    最具游戏感的作品

    作品名:北京加速器

    艺术家:马尼克斯 (荷兰)

    材料: 互动装置

    艺术家在访问北京后感受到北京飞速的变化,体会到一个加速迈入现代化城市的活力。 北京加速器所面对的正是速度对现今城市生活的影响,从这个意义上讲,它类似于一个以前的作品:全景加速器。 但是北京版通过优越的设计增强画面感,使观众的体验更为直观。

    作品与身体和视觉感知产生一种游戏关系。参与者坐在装有操纵杆的电动转椅上,面前屏幕上显示出北京的全景,随参与者的方向与速度旋转。在旋转时,参与者控制坐位的方向和速度,如果与画面无法同步,人体平衡系统将发出不同的信息到大脑和眼睛,会导致激烈的失控感觉,并最终导致恶心。但其目的是使动态影像与坐位的旋转速度一致。一旦达到这个目标,参与者可以查看没有失去方向感和不令人恶心的图象。不过在很短的时间内,一个新的景色会用更高的速度设定旋转。游戏变得更难以取得平衡及看清图片。游戏总共由六个级别组成。

    最捕风捉影的作品

    作品名:拿走

    艺术家:大卫·洛克比 (加拿大)

    材料: 互动装置

    该作品由两部分展示组成,两个庞大的投影出现在一面墙上。在展览空间的左侧,系统从地面以及墙面等多个角度共同搜捕参观者的踪迹,每隔20秒恢复到原位。20秒内展览空间内所发生的动作通过电脑传输到屏幕上,随后继续重复。众多图像制造出一种混乱的火热场面,既可以被理解成与统计学有关的展览策划(大部分的人选择站在那里?人们会走动吗?),也可以看作是针对每一个参观者的参观纪录。这些图像是高度社会化的,并且是极为混乱的。展览空间的右侧是为参观者准备的目录。展览空间里的每个参观者都被跟踪。他们的头像被放大投影在屏幕上,同时会出现评论他们的形容词(例如“信任的”,“相关联的”,“饥饿的”)。最近参观的200位参观者头像变幻成矩阵,通常是100个头像的矩阵,偶尔会是200个,矩阵以缓慢的速度移动。右侧的这种展示形式是充满解析的,同时也是高度秩序化的甚至让人产生一种胁迫的感觉。

    最宏大的作品

    作品名:气流声场

    艺术家:埃德文·万德·海德 (荷兰)

    材料: 声音装置

    建筑:NOX

    由一组空气阀门组成的作品用来制作风、压力和声音,在观众头顶上产生出类似呼吸的声场。这种奇特的声响是我们周围空气中临时压力变化造成的,而音箱则通常是利用颤动的薄膜来产生这些压力变化使我们感觉到“音响”。在“气流声场”中,压缩的空气被用来生产音响。压缩气体非常快速地通过空气阀门在空中释放。“气流声场”由一个有42个相互独立且可控制的阀门构成一个10x20米的涵盖面。声音和风力在这个面积里以不同的速度、方向和强度交错、穿插。其格式由一种自生的方式生成,是对风的空间动向的解释。观众须自我把握在这一氛围里的位置所在。

    尽管每个阀门制造出自己的声音,但观众将会感受到其音响带有一种流动的形状,过程与观看电影相似。电影画面并非单独的系列镜头,而是时间中一连串的动作。作品利用42个阀门运作时的时差,以不同的速度,延缓和重复创造有诗意的音响环境。

  • 特别爱笑
    特别爱笑

    全球公共艺术设计前沿

    学分2.0

    总学时32h王鹤 ,天津大学

    已学人数:0

    章节视频

    绪论 -序章2天

    0.1 全球公共艺术简介

    第一章-信手拈来——现成品公共艺术设计创新12天

    1.1 追本溯源——现成品公共艺术的历史渊源

    1.2 百舸争流——现成品公共艺术的发展

    1.2.1 自修——现成品公共艺术造型逻辑日益完善

    1.2.2 外联——现成品公共艺术与环境关系日益紧密

    1.3 爆发还是沉默?——现成品公共艺术的发展趋势

    1.3.1 向过去道别——再没有艺术家以现成品为主要造型手段

    1.3.2 可待成追忆——现成品公共艺术更多以怀旧为主要功能

    1.3.3 瞬间成永远——现成品公共艺术的临时性特征越来越明显

    1.4 中国式的诘问?——张江艺术花园“∧”

    第二章-影像的幻术——二维公共艺术设计创新12天

    2.1 我从画中来——二维公共艺术的历史渊源

    2.2 渐入佳境——二维公共艺术的发展

    2.2.1 不空中空——剪影正负形

    2.2.2 有板有眼——插接与折叠

    2.2.3 推拉工具——厚度拉伸

    2.3 不甘命运摆布——二维公共艺术建设趋势总结

    2.3.1 坚守——传统基础上不断改良

    2.3.2 抗争——逐渐探索跨界新形式

    2.3.3 新生——在巨型公共艺术中重新找到自我

    2.4 为我所用——中国成都太古里的二维公共艺术

    第三章-怀旧情怀与前瞻未来——像素化公共艺术设计创新9天

    3.1 并不简单的小点——像素化艺术的历史渊源

    3.2 在怀旧认同中畅想未来——像素化公共艺术建设趋势总结

    3.2.1 胸怀——像素化公共艺术具有开放的框架

    3.2.2 禀赋——像素化公共艺术能够兼顾怀旧与前瞻

    3.2.3 成就——像素化公共艺术善于融入建筑环境

    3.3 艰难求索——中国像素化公共艺术“像素立方体”

    第四章-星河光转——能动公共艺术设计创新12天

    4.1 永不停歇的梦想——能动艺术的历史渊源

    4.2 站在巨人的肩膀——能动公共艺术的发展

    4.2.1 考尔德的奠基——能动公共艺术的艺术化阶段

    4.2.2 乔治里奇的建构——能动公共艺术的工业化阶段

    4.2.3 纷纷试水——能动公共艺术的科技化阶段

    4.3 泛化、转化和引申——能动公共艺术建设趋势总结

    4.3.1 能动概念日渐泛化

    4.3.2 能动主力逐渐转化

    4.3.3 能动概念逐渐引申

    4.4 与世界肩并肩——中国能动公共艺术《凤凰》

    第五章-镜中世界——反射型公共艺术设计创新12天

    5.1 曲“镜”通幽——反射型公共艺术的历史渊源

    5.1.1 匠人精神——日本反射型公共艺术的早期探索

    5.1.2 深厚积淀——欧洲反射型公共艺术的早期探索

    5.1.3 锐意进取——美国反射型公共艺术的早期探索

    5.2 古老东方的思辨——反射型公共艺术的发展

    5.3 对碎片化世界的回应——反射型公共艺术建设趋势

    5.3.1 内敛——反射型公共艺术尺度可能渐趋缩小

    5.3.2 务实——反射型公共艺术临时性和实用性逐渐增强

    5.3.3 发散——反射型公共艺术材料日渐多样

    5.4 引领时尚——中国反射型公共艺术上海新天地广场境面反射装置

    第六章-顺时而动——生态公共艺术设计创新15天

    6.1 赤子之心——生态公共艺术的早期探索

    6.2 枝繁叶茂——生态公共艺术的发展

    6.2.1 以刚克刚——力求以科技解决问题的生态公共艺术

    6.2.2 以柔克刚——运用原生态材料的生态环境公共艺术

    6.2.3 倔强的牛虻——警示公众注意的生态环境公共艺术

    6.3 未有穷期——生态环境公共艺术建设趋势

    6.3.1 短暂——临时性作品数量增加,回收材料日渐占据主流

    6.3.2 坚强——永久性作品重视坚固材料,注意提高维护性

    6.3.3 成长——警示型和科技型生态公共艺术分化日益明显

    6.4 为时不晚——中国生态环境公共艺术“cola-bow”

    第七章-为了明天——植物仿生公共艺术设计创新12天

    7.1 千树万树——植物仿生公共艺术的渊源

    7.2 步入正轨——植物仿生公共艺术的发展

    7.2.1 跨过卢比肯河——2000-2010年的植物仿生公共艺术

    7.2.2 起承转合——2010年前后植物仿生公共艺术的进展

    7.3 润物细无声——植物仿生型公共艺术建设趋势

    7.3.1 轻——基础材料逐渐重视轻质量、高强度与可回收性

    7.3.2 真——形态上越发逼真,进一步融入都市环境

    7.3.3 活——发挥自身优势,更多采用互动技术以实现社会效应

    7.3.4 强——功能越发强化且实用,推广普及门槛降低

    7.3.5 净——夜间照明逐渐基于清洁能源

    7.3.6 辨——技术哲学层面还需深入思考

    7.4 来日方长——中国植物仿生公共艺术成都太古里部分作品

    第八章-数字原住民的精神图腾——声光互动公共艺术设计创新14天

    8.1 殊途同归——声光互动公共艺术的渊源

    8.1.1 有光为证——声光公共艺术的早期发展

    8.1.2 声光互动公共艺术的源头之二——互动公共艺术的早期发展

    8.2 飞向无垠——2010年以后声光互动公共艺术的最新发展

    8.2.1 移步换形——与人的位置互动

    8.2.2 举手投足——与人的动作互动

    8.2.3 心随声动——与人的其他互动途径

    8.3 给未来的自己——声光互动公共艺术建设趋势

    8.3.1 更多元的未来——互动媒介结合程度日益紧密

    8.3.2 更发达的未来——互动手段科技含量日益提高

    8.3.3 更壮观的未来——互动作品规模日渐大型化

    8.3.4 更耐人寻味的未来——互动的艺术效果还有待观察

    8.4 弯道超车——中国声光互动公共艺术《声波》

    展开全部

    课程简介1. 对比教学:公共艺术范围广泛,因此重点通过与雕塑、设施、建筑、景观等相关艺术门类对比,帮助学习者深化对公共艺术概念的认知。2. 案例教学:公共艺术是一门动态中的实践艺术,通过大量最新案例的深度细致解读,帮助学习者了解世界各国近年来在此领域不断探索的最新成果。3. 实践教学:公共艺术创作方法简单易学,课程通过轻松诙谐的现成品运用等途径,鼓励学习者大胆尝试创意设计,表达自己的主张,了解设计流程。展开全部

    教学大纲

    绪论 序章

    绪论全球公共艺术简介

    公共艺术是动态的存在,进入2010年后在移动互联、新材料、基于文化创意转型的城市再生等大背景下,像素化、植物仿生等新兴公共艺术形式异军突起,发展日新月异。如何帮助同学们把握公共艺术这一影响深远的变化,并以此为窗口了解世界前沿艺术、科技、社会思潮,正是《全球公共艺术设计前沿》这门课程开设的初衷。第一章 信手拈来——现成品公共艺术设计创新

    现成品的使用是当代公共艺术与传统雕塑区别最显著的设计方法之一。将寻常可见的工业现成品放大尺度,使其在公共空间中具有了新的意义。奥登伯格等艺术家创作了《晾衣夹》等众多经典作品。2010年以后,围绕现成品公共艺术的形式探索与创新仍在继续,呈现出诸多新颖的发展趋势。追本溯源——现成品公共艺术的历史渊源

    从20世纪60年代起,以奥登伯格为代表的美国波普艺术家在公共空间中将复制现成品的公共艺术创作方法发扬光大,在很大程度上为这一领域原则、规律的产生奠定了基础。百舸争流——现成品公共艺术的发展

    20世纪60年代末,美国的“百分比计划”开始大规模实行,以考尔德为肇始,众多美国艺术家的作品从美术馆内走向广阔的户外空间,走向美国联邦资金建设的诸多海外使领馆。奥登博格很快抓住了这一机遇,他的现成品公共艺术实践延续了此后的三十余年,其中的形态演进规律虽不是非常明显,因为这些作品的形态往往受到甲方的要求或所在环境的制约。爆发还是沉默?——现成品公共艺术的发展趋势

    奥登伯格之后的现成品公共艺术的发展去向并不明朗,但有这样的几点趋向已经非常明显。中国式的诘问?——张江艺术花园“∧”

    公共艺术概念进入中国已经很久了,相关实践也一直在推进当中。上海张江艺术花园中的“∧”就是典型案例,作者以典型的波普主义手法,塑造了一个大型的易拉罐,打开的易拉罐用吸管支撑在地面上,保持着倾斜状态。作者在这里也希望表现快餐对儿童的不利影响这一社会问题。同时在易拉罐后部安排了梯子,儿童可以攀爬,并从吸管中滑下来 ,以起到滑梯的作用。第二章 影像的幻术——二维公共艺术设计创新

    二维公共艺术是利用绘画、剪影、厚度拉伸等方式,赋予二维图像以三维体积的公共艺术设计方式。这种方式不同于传统形式的浮雕,它糅合了绘画、视觉传达等领域的成果,是世界范围内公共艺术设计方法的重要类型。二维公共艺术免去了复杂的三维体积塑造过程,为众多画家、摄影师、平面设计师提供了进入公共艺术领域的渠道,进一步彰显了公共艺术的跨学科与开放特征。同时这种艺术形式普遍具有视觉效果突出、鲜明,节省占地等优点,但同时也带来必须限制观赏角度的局限。我从画中来——二维公共艺术的历史渊源

    在二维公共艺术的发展中,印第安纳和哈林做出了巨大的贡献,说他们奠定了二维公共艺术的基础毫不为过。渐入佳境——二维公共艺术的发展

    进入20世纪80年代后,二维公共艺术在公共艺术中的应用得到越来越多画家、风景园林设计师等领域人士的认可。在这一阶段,剪影正负形的基本准则已经确立,并开始探索与一系列功能之间的关系,在如何更好适应环境上也有了新的突破。二维公共艺术也变得更具包容性,其主要类型包括了剪影正负形、插接与折叠以及厚度拉伸。不甘命运摆布——二维公共艺术建设趋势总结

    从二维公共艺术的发展历程以及近年来的实践可以判断,二维公共艺术的设计创新体现出三个显著趋势,分别是尺幅巨大化、形式综合化和应用受局限。为我所用——中国成都太古里的二维公共艺术

    成都太古里的公共艺术运用常见的、简单的艺术形式,表达了深刻并具有普遍性的主题意义,呼应所在地区主要人群特点,理解起来无障碍。又适应所在环境形态特征与功能属性,与交通流线穿插,又具有国际化特征,总体效果十分成功。第三章 怀旧情怀与前瞻未来——像素化公共艺术设计创新

    像素,英文对应为Pixel。从定义上看,像素是基本原色素及其灰度的基本编码。作为构成数码影像的基本单元,我们通常以像素平方英寸(Pixels per inch,简称PPI)来表示影像分辨率的大小,也就是衡量图像质量和清晰度的关键标准之一。像素点用矩阵排列或拼合成图像,这种图像也称位图,与后来的用数字公式表示的矢量图有根本不同。并不简单的小点——像素化艺术的历史渊源

    虽然像素化艺术使用的是当今的形式元素。但这种用大量类似特性元素通过组合,以形成一定距离上的整体视觉观感的方法却并非历史上的首创。1884年年轻艺术家乔治修拉第一幅正式作品《阿斯尼埃尔的沐浴》,唯一的不同,在于画家创造这一视觉效果的方式。所有的这一切都是用一个个小纯色点组成的,而非在画板上调和好后再画到画布上。在怀旧认同中畅想未来——像素化公共艺术建设趋势总结

    发展到像素化与其说是一种艺术形式,不如说是一种文化现象,遍及平面设计等各个领域。这一文化现象的繁荣有其大背景,即数字化和人的固有怀旧心理,它既属于当下,又属于未来。像素化公共艺术的应用前景日益广阔,主要有三点原因。艰难求索——中国像素化公共艺术“像素立方体”

    像素化公共艺术在世界范围内都兴起不久,因此在国内的应用案例还不多。在完全意义上的公共艺术领域,目前国内比较有代表性的案例来自我国台湾省一个名为“像素立方体”(Voxel scape)的实践。第四章 星河光转——能动公共艺术设计创新

    为艺术作品赋予动感是艺术家一项古老的希冀。发展到能动已经是当代公共艺术区别于传统雕塑最显著的特征之一。进入21世纪后,在公共艺术技术含量提高的大背景下,能动公共艺术逐渐出现概念泛化和主力转向的趋势,带有能动叶片的部分作品逐渐归入生态公共艺术中,电动、程控成为能动公共艺术的的主流,其2017年以后的发展趋势值得拭目以待。永不停歇的梦想——能动艺术的历史渊源

    首先需要看到,今天的能动公共艺术概念不是凭空出现的,而是有着深厚的历史渊源。因为使三维艺术具有动感是从古至今一代代艺术家的梦想,我们从未来主义的《在空间里连续性的独特形式》以及构成主义的《第三国际纪念碑》三件作品的形态演进可以清晰看出这一点。站在巨人的肩膀——能动公共艺术的发展

    首先需要看到,今天的能动公共艺术概念不是凭空出现的,而是有着深厚的历史渊源。因为使三维艺术具有动感是从古至今一代代艺术家的梦想,我们从希腊化时期的《萨摩色雷斯胜利女神》、未来主义的在空间里连续性的独特形式》以及构成主义的《第三国际纪念碑》三件作品的形态演进可以清晰看出这一点。泛化、转化和引申——能动公共艺术建设趋势总结

    在2010年以后的世界经济、文化发展大背景下,能动公共艺术受限体现出与其他设计创新类型公共艺术同样的演变趋势,即受到科技发展越来越深的影响和介入,技术上渐趋复杂,技术含量日益增加。与世界肩并肩——中国能动公共艺术《凤凰》

    2014年天津经济技术开发区(TEDA)建区三十周年之际,需要完成新的纪念碑。新纪念碑选址北海路和第二大街交口,均位于交通环岛之上,这对纪念碑的尺度、形态都提出了特殊的要求,法国艺术家梅泰的方案有其鲜明的特性,出色的整体视觉效果,梅泰仔细考察了天津的自然环境,从海藻等海生植物上汲取了灵感,在造型上突出了开发区蓬勃向上的积极面貌,与世界能动公共艺术的发展水平站在同一起跑线。第五章 镜中世界——反射型公共艺术设计创新

    借助发达的材料冶炼与加工工艺,立体造型艺术的材料就具有了反射周边事物的神奇能力。特别是不锈钢抛光后闪亮无比,大大增加其可观性。不锈钢的强反光性恰当运用会产生镜面效果。进入21世纪以来,这一艺术形式在尺度上、材料上、与环境和人的关系上都出现了几近天翻地覆的变化,表现形式日益多样化,成为21世纪第二个十年以来最值得关注的公共艺术形式之一。曲“镜”通幽——反射型公共艺术的历史渊源

    从20世纪70年代以来,在世界范围内兴起了一股依赖高度抛光的不锈钢和其他金属工艺实现与环境紧密联系的公共艺术中创作浪潮,日本、欧洲和美国分别进行了不同程度和角度的探索,成为我们今天追溯反射型公共艺术的主要源头。古老东方的思辨——反射型公共艺术的发展

    作为与《云门》齐名的公共艺术,卡普尔的另一代表作《天镜》2001年4月27日方才落成,共耗资90万英镑,他根据剧场外的环境空间尺度,将尺寸定为6米直径,自重10吨,全部以高度抛光的不锈钢制成。一侧凹面,一侧凸面,实时反射着周边环境,这在当时是创新之举。在《天镜》中,卡普尔将印度的哲学思想与现代工业技术相结合,在现代城市环境中大放异彩,说明艺术作品的人文属性依然占有不可取代的地位。对碎片化世界的回应——反射型公共艺术建设趋势

    通过对反射公共艺术发展脉络的梳理,以及对近年来最新案例的分析,可以发现其在未来的发展明显具有三点趋势。引领时尚——中国反射型公共艺术上海新天地广场境面反射装置

    近年来最接近世界反射型公共艺术发展趋势的国内作品是2014年,由荷兰建筑事物所UN Studio在上海新天地商场门前完成的“镜廊”。“镜廊”在形式上融合了建筑、雕塑、景观等,既有空间可供体验,又有视觉图像可供欣赏,打破原有艺术形式局限。“镜廊”比较注重与人和环境的交流融合,形式运用得当,充分地反映了国际范围内反射公共艺术逐渐向着临时性、小型化和实用性发展的趋势。第六章 顺时而动——生态公共艺术设计创新

    自从公共艺术作为一种可辨识的艺术形态诞生以来,对环境的关注以及对生态性的追求就成为其最鲜明的特征之一。众多艺术家针对生态观念和低碳材料在公共艺术创作中的运用展开了一系列探索。这些探索类型广泛,规模不一,但总体特征是重视运用具有天然属性的材料,更强调对自然的被动适应而非主动改变。从20世纪70年代起,欧洲、美国、日本等地的艺术家就从不同角度探索了生态公共艺术的建设。赤子之心——生态公共艺术的早期探索

    在漫长的历史中,生态环境问题并不是人类艺术创作的主要题材之一。自从工业革命以来,伴随经济发展而来的环境问题才引起人们重视。现在所强调的环境问题,主要指生产、生活所造成的污染和对资源的滥用。环境问题不但破坏自然的生态平衡,而且影响到社会的发展,甚至威胁到人类的生存。要求制作过程无污染,不浪费资源,即循环利用,与自然发展相结合的生态设计理念开始出现在生产、生活的各个领域。从这时起,公共艺术设计才开始广泛重视到这一问题。枝繁叶茂——生态公共艺术的发展

    随着社会、科技、经济的发展,在20世纪后期行之有效的生态公共艺术创作方式开始显露弊端,作品状态和所选基础材料的非永久性,制约了传统生态公共艺术在人流密集的城市环境中推广的可能性,进而将这些作品与所在地的经济、社会发展割裂开来。世界范围内公共艺术由于新技术的介入和新观念#

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    博物馆展示设计的艺术形式分析 博物馆作为一个传播文化、鉴证历史的永久性机构,其展示的空间以及展品需要与观众心灵产生共鸣,以下是我J.L为大家分享的关于博物馆展示设计的艺术形式的论文范文。 博物馆展示设计的艺术形式分析 篇1 摘要:博物馆一直以来都是传承和发展文化的载体,是一种展示设计创造性的活动,也是展览中的一部分,其不仅具有展示设计中的共同性质,同时也具有自身的特性。通过合理的展示设计能够更好地体现出地域性、文化性以及民族性的特征,满足人们的物质和精神生活,提升生活的品质。当代博物馆展示设计也随着展示手段和技术的丰富和创新,迸发出不同的艺术价值。本文主要对博物馆展示设计的艺术形式进行具体的研究。 关键词:博物馆;展示设计;艺术形式 博物馆展示设计是一种设计范畴的学科,随着设计手段和技术的发展,博物馆展示设计也具有了更多新的内涵。相对于一般地点的展示设计来说,博物馆的展示设计对设计的风格、手法以及类别等都提出了更高的要求。博物馆的展示设计涉及心理学、传播学、建筑学、心理学、美学以及人机工程学等多个学科领域。因此在进行博物馆展示设计时,需要以深厚的文化内涵为底蕴,进而使设计的艺术形式感更强烈,符合当前人们的审美观。 一、博物馆展示设计原理分析 (一)博物馆展示设计的目标 博物馆存在的主要意义是为了能够科普知识、传播社会文明,是一个具有公共性的机构。其具有特殊的艺术展示形式。也可以说博物馆就是一种艺术作品,其建筑的风格、展品的设计以及整体的规划都能够带给人一定的视觉享受。 (二)博物馆展示设计要素 博物馆展示设计主要可以涵盖展示的空间、展示的设备以及展示的物品。其中展示的空间也就是概念空间,是一种没有形体的空间展示,主要是以展品的内容来体现其存在的价值。同时博物馆的展示空间也是展示活动的主要载体,在博物馆的展示空间中,其结构、色彩以及灯光等都是必要的组成元素;展示设备包括展墙、展架、展柜以及展板等。[1]展示设备具有组合化、方便化以及标准化的特点。组合化是指在展示的过程中,展示的设备可以根据具体的展示要求进行搭配组合,方便化是指结合现代的拼装技术和先进的设计方案,使设备的安装以及拆卸更加方便;标准化是指展示设备的规格具有一定的通用性;展示物品是博物馆展览中的主要内容,是博物馆展示的主要目标和任务。 二、博物馆展示空间设计艺术 展示空间是博物馆展示活动的主要场所,在设计上不仅要满足展品的展示承载功能,同时还要符合参观者的审美要求,因此在博物馆的展示空间设计上必须做一定的艺术处理。 (一)注重空间的和谐性 博物馆展示空间的设计不能分成不同的部分进行设计,而是要注重设计的整体性和系统性,因此在空间的设计中必须考虑和谐的因素,将空间中不协调的因素进行统合。但是这种统合并不表示所有的空间都要具有统一的模式,而是既要有多样性又要具有统一性。在博物馆展示设计中需要从空间的规划、色彩、材质以及结构等多个方面的变化来构建统一的空间模式。 (二)展示设计需要遵循均衡性原则 设计的均衡性能够使视觉的构图更加和谐,均衡性设计是指以某一个点为中心,两边的设计分量相等或者相似。同时在均衡原则的设计上,也分为规则均衡和不规则均衡。规则均衡设计在视觉上能够给人一种两边完全相等的感觉,无论是在体量、形状还是色彩上都具有较强的对称性,形成规则的镜面式对称,这也是博物馆展示空间设计中的重要设计原则;而不规则均衡性主要是根据杠杆平衡原理,在两边的设计中元素相近,但是却又存在差异。这种设计方式能够增加展示空间气氛的活跃性,同时又不失整体平衡感。 (三)强调展示设计的节奏以及韵律 展示空间设计的节奏主要是指在特定的范围或者单位内,空间的设计具有规律性的重复或者形体的运动分解。在具体的设计中是在空间构成重复的基础上再进行的分段运动,因此能够使空间的分布具有一定的规律性。而韵律则主要是指通过对相似元素或者空间环境的组合,使其具有一定规律的同时也有一定的变化。在博物馆的'空间设计中,节奏性以及韵律性是单元空间设计的主要方式,具有重复和渐变的表现形式。重复的单元空间能够给人一种稳定的、持续的视觉感觉,从而在纷乱的展品中,使人能够以一种平和的心态去观赏,同时也能够为人们的参观起到导向的作用;渐变的单元空间可以分为单一空间的渐变以及复合空间的渐变,通过这种渐变的方式能够给人一种既灵活又不乏整体性的感觉有序的空间变化不会影响人们参观的心理,而且能够突出展示的主体。[2] 三、博物馆展示内容设计艺术 (一)硬件内容设计艺术 1.陈列室设计艺术 博物馆展品在展览时主要的储藏位置就是陈列室,因此在陈列室的设计中需要注意室内的环境、通风、干湿度以及采光等因素,这样不但能够突出展品的展示效果,同时还能够对展品起到一定的保护作用。由于博物馆所展示的展品都具有非常大的传承价值,所以在陈列室的设计中必须做好消防措施。在施工的过程中严格按照相关规定选择材料,严格操作规范。同时在陈列室的设计中还需要对空间进行一定的艺术处理,比如陈列室的地面、墙壁以及天花板等具体的色调以及肌理等,都需要与所展示的展品相契合,能够烘托出展品的背景,从而使观众在参观的过程中,能够进入到展品展示的主体中,起到强烈的视觉引导效果。 2.光环境的设计艺术 光是感知物象的基本视觉条件,因此在博物馆的创造、改变以及优化空间的设计中都离不开光环境。在博物馆展示设计中的光源主要有两种,一种是自然的采光,另一种是人造光。自然采光主要是通过太阳照射而形成的光环境,因此室内的光线会随着地球的转动而发生变化,这使得一些方向朝北的展厅会选择自然光照,因为这个方向的展厅受光照变化影响较小,而且光照柔和。人造光主要是指利用电灯形成的光照环境,通过对灯具的调节和设置达到一定的照明效果。目前在国内外博物馆使用比较广泛的灯具包括基本照明灯具、装饰灯具以及慢射照明灯具等。同时在照明的效果上也分为直接照明、间接照明和重点照明。直接照明。是一种经常应用的照明手段,一般常用的有吸顶灯、导轨射灯以及吊灯等,这种照明方式能够保证95%以上的灯光都被充分利用。因此在博物馆的大厅、主要通道以及大件展品的顶部,一般都会采用直接照明的方式,这样能够保证灯光的光线分布更加广泛,不会产生遮光角。但是在直接照明的亮度选择上,还需要根据照射面积、照射物以及展厅的高度来设定,一般的照度设定在300lx。因为如果光线过弱,会使得展厅视线不清,无法达到预期的展示效果;如果光线过强,则容易使观众产生视觉疲劳,同时也会对展物产生一定的损害,特别是书刊、漆器等容易产生褪色变质的情况。间接照明。间接照明是指将灯光投射在墙面或者天花板上,形成二次光源,在博物馆展厅的吊顶、地台、展板侧面等,使灯的光线由内而外发光。间接照明的光线扩散性较好,不会产生阴影,光亮适度,光质柔和。[3]因此在展览馆的设计中,需要根据其自身的特点合理设置,可以根据展品的位置、类型对色彩照明以及亮度的需求等进行设计,使展厅形成层次变化的光环境。重点照明。重点照明也称为局部照明,是指利用较强的灯光对展品的某个部位进行投射,进而形成特写的效果,能够突出产品的展示重点,产生一种立体感。这种灯光设置的方式具有较强的针对性,一般用于展览馆中比较具有代表性的展品。比如北京故宫博物院的《大禹治水玉山子》,利用这种方式能够体现出实体和虚空的连贯性。但是在应用重点照明时,必须注重光照的方向性,这样才能够塑造出一种立体感。需要从顶光、顺光以及逆光三个方向进行组合,同时在灯具前添加滤片,通过对紫外线的过滤,有效控制炫光。此外在重点照明的设计中还需要根据展台的间距、尺寸等适当设定距离,形成主次分明、松紧适度的视觉效果。 3.陈列设备设计艺术 陈列设备一般体积较大,数量较多,因此陈列设备的设计对艺术的整体效果具有非常重要的作用,在博物馆的设计中需要对展柜、展墙以及展台的尺寸、比例以及造型灯进行认真的研究和推敲,使得陈列设备能够与展品内容和特点相符,进而体现其陈设的作用和突出展品的优势。 (二)软件内容设计艺术 1.陈列组合设计艺术 陈列组合设计是空间展示设计的核心,同时在设计工作中也是最繁重和最花费精力的。陈列组合中包括整体和局部陈列组合部分,整体陈列组合是总设计风格下设计的组合方式;而局部组合设计则主要是根据具体的标本、文物为展览的基本资料,在设计的过程中根据设计框架或者大纲而有顺序和层次地排列展品,使展品间建立起一定的联系性。[4] 2.辅助展品资料设计艺术 辅助展品资料包括灯箱、图表、沙盘以及照片等辅佐原件展出的一些资料,能够补充展示作品的学术研究成果,同时也有一些辅助展品本身就是艺术作品,具有一定的观赏价值。 (三)其他方面的设计艺术 除了软硬件的设计外,还有一些介于软硬件之间的设计内容,比如安全标志、文物等。以陈列室的路线布局为例,在设计的过程中,首先要考虑防盗报警、消防等设施的健全和完善,同时要保证紧急疏散口的通畅,其次要注重这些设施与博物馆整体设计的契合,保证博物馆整体的艺术效果。 四、结语 博物馆作为一个传播文化、鉴证历史的永久性机构,其展示的空间以及展品需要与观众心灵产生共鸣,因此在博物馆的展示设计中要从艺术的角度拉近与观众的距离,使观众置身于博物馆,不仅能够欣赏到展物的风采,同时通过博物馆的设计艺术寻找与其相同的艺术语言。营造出创新的格局,使博物馆的展示风格具有较深的文化内涵,同时又贴近于生活,能够更好地服务社会,弘扬民族文化。 参考文献: [1]杨正宏.多元体验下的博物馆展示设计———以镇江博物馆为例[J].东南文化.2013(5):117-122. [2]肖科坤,卢伍强.博物馆展示设计艺术初探[J].赤峰学院学报(自然科学版),2015(13):163-164. [3]谢小雄.当代博物馆展示设计艺术研究[J].大众文艺,2015(24):36. [4]徐晶.中国传统元素在历史博物馆展示设计中的应用———谈南京六朝博物馆展示设计艺术[J].艺术科技,2014(9):59-60+62.   博物馆展示设计的艺术形式分析 篇2 博物馆的陈列设计是一种信息传播的手段,在确定整体设计理念和形式风格的前提下,对陈列的要素进行总体的布局安排,通过分配空间与设计展墙、组合编排展品顺序、处理重点展项等手段,实现博物馆视觉效果体验和信息传达,让观众接受博物馆的历史熏陶和文化教育。博物馆陈列设计过程中需要借助传播学、艺术学、社会学等学科原理来达到呈现效果。 一、博物馆展示陈列的基本要素 展示陈列的基本要素是指在博物馆展厅空间里呈现给观众的所有展品和展项。观众走进博物馆通过视觉、触觉、听觉去感受展品传播的信息,达到受教育的目的。按照展品的形状和信息传播特点可以把展示陈列的基本要素分为两类。 第一类是指博物馆的各种实物藏品,这类展品是博物馆展示的基石,属于静态展示资料。在展示陈列过程中通过独立的静态展示,将原始信息直接和客观地反映给观众。实物藏品具有非常强的真实性和可信性,是博物馆展示的最重要组成部分。这类展品包括文物、标本、照片、复制品、模型、沙盘、图解资料、文件档案等。 第二类是指记录人类文明和历史发展的各种音频、录像资料等影音资料,属于动态资料。这类展品能够更加直观地呈现自然、社会生活环境,以及历史人物和事件的关系。这类展项的展示方法主要是通过数字技术与多媒体设备向观众展示。位于美国纽约犹太人历史博物馆休息通道中的一段历史资料,通过视频投影在碎片式的墙面去唤起大家的记忆。 二、博物馆展示要素的陈列原则与要点 (一)文物藏品的陈列原则与要点 第一,文物藏品展示的安全性是首要问题,陈列时要注意对文物藏品的保护,不能触碰的文物藏品要做好防护工作。 第二,文物藏品展示的科学性原则,即将文物藏品按系统分门别类地排列,同时注意文物藏品之间的逻辑顺序和主次关系,切忌杂乱无章的堆砌。 第三,文物藏品展示的艺术性原则,即注意文物藏品与背景空间之间的美学关系,以形成富有艺术性的展示效果。 (二)影像资料的陈列原则与要点 第一,研究影像资料的内容和科学依据,充分挖掘影像资料的历史背景,还原其内容的真实性。 第二,把握影像资料的重点展示内容和最佳表现形式之间的关系,适当借用实物、沙盘、模型、高科技设备等载体进行表现,切勿滥用高科技而忽略了内容本质。 三、博物馆展示陈列的载体与方法分析 (一)展墙和展架的陈列方法 1.展墙陈列方法 这种陈列方法是通过设置固定或者移动的墙体来悬挂实物展品,既是博物馆陈列的基础设备之一,也是构成展厅的主要展现元素之一。展墙的尺寸和造型根据展陈空间和内容而定,其主要功能是安置悬挂展品,也可对展厅内部空间做分隔,并对观众的参观路线进行引导。陈列的主要内容和方法如下:第一,文物、标本、复制品类展品通过在展墙上设计壁龛进行展示;第二,图片、照片、图表、地图类展品制作成轻质的展板悬挂在展墙上;第三,影像资料通过LED显示器、灯箱等直接镶嵌在预留孔的展墙上;第四,标题文字、文本内容、装饰性线条等直接粘贴或者打印在展墙上;第五,图解资料、背景图片、底纹图案等渲染氛围的展品通过丝网印刷直接印制在专业材质上,然后再贴附语于展墙上。辽源市青少年平安教育基地的图片悬挂的展墙设计,以及新加坡国家博物馆的图解资料丝网印刷的展墙设计。 2.展架陈列方法 展架的陈列方式与展墙的陈列方式相同,也是通过悬挂展品来进行展示陈列,展架相对于展墙具有布置灵活、节省空间、方便更换的优势。展架的形式设计丰富多样,也可以同时与背景搭配一起来传播信息。展架还可以形成空间中的屏风、隔断以丰富空间视觉效果。 (二)展柜和展台的陈列方法 1.展柜陈列方法 展柜是陈列文物藏品的主要载体,也是博物馆陈列的基础设备之一,展示效果要根据不同展品特性,对展柜的形式、材质、灯光、温度、监控设施等进行特别设计。展柜要求操作简单、拆装方便,并具有良好的文物保护性能。展柜通常分为靠墙展柜、中心独立展柜、桌柜等,靠墙展柜有半高式、落地式之分,靠墙展柜还可以与展墙结合为整体进行展示。我国山西汾酒博物馆的半高展柜与独立展柜,以及美国大都会艺术博物馆的落地展柜。 2.展台陈列方法 展台是承托大型实物、艺术品、模型、沙盘的陈列工具。展台的形式、色彩和材质要求与展品呼应与统一。展台的尺寸根据人的视线高度而定,一般是较大的展品使用较低的展台,小型的展品则用较高的展台。莆田市博物馆的大型群雕艺术品展台陈列,以及美国阿拉斯加博物馆的动物标本展台陈列。 (三)场景设计的陈列方法 为了突破实物展品在展出时对信息传播的局限性,越来越多的博物馆在展示陈列过程中采用场景设计的方法,还原一些重大的历史事件或者阐述重要人物的生平。场景设计最初起源于戏剧和表演艺术,之后被运用到自然博物馆的生物进化史陈列。由于展示效果能够给观众留下深刻的印象,这种陈列方法慢慢又被运用到历史类、军事类、民俗类博物馆。场景设计是一个融合艺术学、建筑学、舞台设计等多学科理论的综合陈列方法,场景设计包括背景画绘制、主体标本或模型制作、前景空间设计、后期维护等诸多问题。 根据博物馆题材需求不同,场景陈列的类型可以归纳为三种:自然景观场景、历史人物事件场景、艺术造型场景。美国华盛顿海军陆战队博物馆的共享大厅里设置的人物事件场景,通过人物雕塑、直升飞机以及野外景观氛围共同突出了整个博物馆的主题;莆田市博物馆为了突出地方重要历史人物,设计的“群星璀璨”人物群雕艺术造型场景。 根据陈列的规模,场景设计又可以分为橱窗封闭式展示和大型开放式场景。 1.橱窗封闭式场景 将场景装进类似橱窗的封闭式大展柜,使展品实物回归到其原来所处背景环境中,使展示更加真实和生动。这样的陈列方式适合自然科学类博物馆的动物标本陈列,封闭的展示环境可以对自然标本进行保护。橱窗场景的背景设计可采用弧形背景画来消除墙体转折,在比例上可以是按照场景真实比例,也可以是缩小比例。美国历史自然博物馆的生态景观橱窗场景,以及芝加哥ScienceMuseum的微缩橱窗场景。 2.大型开放式场景 大型开放式场景的展示方法是将场景直接修建在展示空间中,由于尺寸巨大所以不需要玻璃或者隔断物去进行保护,有的场景需要设计护栏或围栏,有的场景则可以让参观者参与进去成为场景的一部分。大型开放式场景适合展示一些历史人物事件、社会民俗礼仪、传统的手工艺等内容。创作的时候既可以按照当时的本来面貌进行复原,也可以提取有代表性的典型符号形象加以概括,同时结合声、光、电等因素使参观者有身临其境的感觉。华盛顿美国历史博物馆的居民建筑复原场景,以及福建莆田市博物馆戚继光抗战复原场景。 (四)数字化展示陈列方法 随着高科技的发展,博物馆展示陈列已经进入数字化时代,传统的文物、艺术品、音频、视频等影像资料都可以利用数字媒体技术实现动态展示,这种陈列方法具有沉浸性和交互性,能让观众全方位地去理解展品。其展示陈列的形式包括等离子(液晶)播放屏、触摸屏、投影、幻影成像、电子图书、虚拟现实等。数字化展示方法可以是数字影片独立展示,可以是数字影像结合空间场景展示[2]。具体展示方式主要包括以下几种: 1.主题影片展示 主题影片展示形式在博物馆展示陈列中的应用十分普遍,影片通过播放器或者投影设备直接呈现。主题影片展示的主题包括历史典故、人物事迹、自然现象、科学原理等,这是进行知识性的科普、宣导创作的最直观的陈列方式。 2.展品数字化展示 将展品进行数字化创新处理,之后通过一定的高科技设备进行展示的方式。立体的艺术品可以通过全息投影进行虚拟展示,平面的绘画作品可以制作成二维或者三维动画通过投影或者显示器展示出来。比如2010年上海世博会展出的《清明上河图》数字版,在展出之际引起观众的强烈反响,掀起了后续传统国画的数字创作浪潮。 3.数字影像结合场景或空间展示 将数字影像应用到场景设计中,能够更好地营造氛围,提升场景的逼真程度。数字影像结合场景展示以解释一些科学现象、原理或者展示地方风俗民情,如幻影成像就是在设计好的场景中投影剪辑过的影片。 (五)互动装置展示陈列方法 现代博物馆陈列设计为了提高观众参与性和积极性,越来越强调人机互动的展示设计。这种陈列方式适合科技博物馆、自然博物馆、儿童博物馆等科普类博物馆,主要陈列方式包括以下几点: 1.传统机械互动 通过电动机械的原理将展示内容陈列出来,如常见的掀板问答、机械按钮、轴承翻转等都属于这类方式。在设计的时候要特别注意互动装置使用的便捷性,以及后期维护是否方便等问题。 2.网络人机互动 这种方式是通过将展览的资料和信息数据写入到后台软件中,通过程序编辑连接相应的显示媒介展示出来,参观者可以自由地、有选择性地进行体验和获取展品信息。人机互动展示方法需要设计的要素包括UI显示界面设计、程序设计、后台软件设计、显示媒介等,人机互动的常见形式包括互动答题、电子留言、交互式地面投影、实时的视频合成等。 结语 博物馆的展示陈列方法最终体现在视觉形式上,而博物馆展示陈列的本质是要通过这些视觉形式达到让参观者受教育和娱乐的目的,这两者在设计过程中应该相辅相成,达到形式和本质的高度统一。博物馆的展示陈列方法丰富多样,每一种展示陈列方式都有其优缺点,在使用的时候一定要遵循陈列设计的原则,选择适合展品的展示方法,巧妙利用展示陈列手法去建设具有特色的博物馆。随着后博物馆时代的到来,博物馆展示陈列方法也不是一成不变的,应该随着时代的发展不停进步。 ;

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